Paisaje, identidad y memoria de la Diáspora – El arte de la curaduría

Una interesante exhibición se presenta actualmente en el Pérez Art Museum Miami, titulada Poetics of Relation.  Está inspirada en los escritos de Edouard Glissant (1928-2011), filósofo, poeta y crítico literario, originario de Martinica, considerado una de las mentes más influyentes en la historia del Caribe. Un video que presenta algunas de sus ideas y conceptos sobre identidad, lenguaje, espacio e historia da la bienvenida y sirve de introducción a la temática de la muestra.

La exposición fue curada por Tobías Ostrander, comisario del museo y por Tumelo Mosaka, curador independiente originario de Sur África y educado en Estados Unidos, quien fue invitado especialmente para participar en la organización de la muestra. Cuenta con seis artistas de diversas partes del mundo, quienes participan con 17 obras que analizan, bajo distintas perspectivas y utilizando variados formatos, el tema de la inmigración, la diáspora y las percepciones del espacio.

A pesar de que las obras escogidas tienen su valor independiente, es tal vez el arte de la curaduría y la manera como fueron expuestas lo que más impresiona de la muestra.

Según los curadores, “las obras de arte manifiestan algo diferente dependiendo de donde se encuentren ubicadas y con qué otras obras se exponen”. La muestra que reunimos “representa la complejidad de ideas que nos inquietan, como el significado de la identidad personal o las relaciones entre lugares. Poner esta muestra ha sido un viaje, tanto para los artistas como para nosotros los curadores. Primero teníamos una lista muy grande de posibles participantes y posteriormente se fue reduciendo hasta que logramos llegar a esto”.

Al colocar las obras una junto a otra, “vemos cómo hablan entre sí, cómo se crea ese diálogo, al igual que sucede entre las personas”.

Realizar esta exhibición en Miami resulta especialmente significativo si se tiene en cuenta la diversidad cultural que caracteriza a la ciudad, plagada de diásporas que han convivido por años y han conformado su historia. Según expresó Ostrander, los artistas exploran cuestiones referentes al paisaje, la migración, la memoria y nuevas formas de identidad a través del contacto directo con la diversidad y las experiencias en el sur de la Florida. Escribir nuestras historias personales en distintos lugares hace que “nos definamos nosotros mismos, pudiendo así tener muchas identidades y una al mismo tiempo”.

Los artistas seleccionados tienen obras que exploran los cambios históricos y el trauma causado por el colonialismo y la migración. Temas inherentes a esta problemática como pueden ser el lenguaje, la nacionalidad y la raza, que contribuyen al factor de identidad, son incorporados en el idioma que abarcan. En este sentido, el arte ofrece un espacio que permite “dialogar con otras partes del mundo”. De hecho, “los artistas no se conocían entre sí, solo nosotros como curadores sabíamos cuál era la relación entre sus obras y cuando las fuimos colocando, se fue dando ese dialogo”, expresa Mosaka.

En la entrada de la muestra impacta una inmensa cantidad de pequeños rostros elaborados en cemento con facciones recuperadas por la memoria de la artista Ledelle Moe, originaria de Sur África y residente en Baltimore, titulada Congregation (2006). Según palabras de la artista estos rostros “pertenecen a gente que está en mi directo plano de visión y también a los que están en mi periferia, rostros que están en mi memoria, y es una obra que empezó en el año 2005 y terminó en este momento con este montaje en Miami. Esta obra habla al mismo tiempo del individuo y de la colectividad, y la complejidad de la vida en Sur África. Mi abuela tiene una presencia muy fuerte en este proyecto”. La misma artista nos sorprende en otro salón con dos voluminosos rostros llamados Memorial Collapse V (2005), que “se refiere a las estructuras de poder al tiempo que habla de la desintegración, por las grietas que presenta”.

Tony Capellán, de República Dominicana, presenta dos obras de gran escala, para las cuales recupera basura de la playa y la usa para sus creaciones artísticas. Un imponente mar de chancletas azules recuperadas en las playas de su país titulado Mar Caribe (1996), propiedad del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo cubre un gran espacio del museo. Esta obra hecha de chancletas, el calzado usado por la gente pobre, cuya parte superior ha sido reemplazada por alambre de púas, hace referencia a las secuelas de la esclavitud a la que fue sometida esta región. Según comenta Tony “esta obra es la más mirada por la gente y tiene algo que atrae… Es un contenido doloroso, como cuando uno se pincha al tocarla, pero es un contenido verdadero y eso es lo que ha logrado sobrevivir”. Hay algo individual y algo colectivo en esta pieza que se ha expuesto en muchos contextos diferentes. “Una de mis satisfacciones más grandes es poder entablar diálogo a través de estas obras. Santo Domingo está cruzada por un río, y cuando llueve y la marea sube, el río se lleva todo tipo de objetos pertenecientes a la gente que habita sus orillas… Lo interesante es la visión contemporánea de la obra y que no nos quedemos con el pasado… He encontrado esta manera de decir las cosas y que la audiencia las elabore y te responda”. Otra monumental obra del artista, referente al mismo tema y que juega con el mismo colorido marino, se titula Mar Invadido (2015) compuesta por objetos encontrados en el Mar.

“La obra se integra de acuerdo a la región donde se presenta, sobre todo si hay mar. Esta obra es un clamor para que detengamos la contaminación del mar”. Tony manifiesta como se ve confrontado con interrogantes del público dependiendo del sitio donde exhibe. Con respecto al colorido, uno de los interrogantes comunes, expresa que “la degradación del color la logré con la ubicación de los objetos, no está pintada, es el color natural de estos objetos encontrados…No me pueden decir que esta obra es sólo de República Dominicana porque el problema de la contaminación es universal. Otra cosa valiosa que he podido apreciar con estas exhibiciones es que esta obra le llega tanto a una persona popular como a un intelectual del mundo del arte”.

Otra de las artistas, Xaviera Simmons de New York, pasó varios años investigando el comercio de esclavos desde África a Estados Unidos, plasmado en una serie fotográfica de balsas atestadas de viajeros migrantes. Superunknown fue producida en 2010. “Yo soy una fotógrafa influenciada por los fotógrafos alemanes tradicionales y quería probar hacer una especie de fotografía moderna. Este es el grupo de las imágenes que logré recolectar… Tiene un contexto conflictivo. Además de ser sobre migración,  es también sobre aspectos individuales”. La obra The Lushness of muestra como “además de coleccionar imágenes, también colecciono lenguajes, palabras, frases, textos y cuando me pidieron participar en esta muestra pensé en hacer un paisaje con el lenguaje. Para ello utilicé el español, el inglés y el francés”.

Nacido en Londres pero de familia jamaiquina, Hurvin Anderson trabaja siempre en paisajes de Inglaterra a los que infringe un toque tropical, parte de su propia historia familiar y personal. Haciendo alusión a la historia de la colonización, presenta los óleos titulados Imprerial Hotel (2004), que muestra un club pintado en blanco que hace referencia a los clubes en la época colonial, Country Club: Chicken Wire (2008) y Across the Tracks (2013).

Yto Barrada es nacida en Francia y educada en Marruecos, y hoy trabaja entre New York y Marruecos. Su trabajo se relaciona con la historia de la ciudad de Tánger, en Marruecos, mostrando su carácter exótico y su mezcla de culturas. Esta ciudad particular, donde la gente entra para poder salir hacia Europa, es la fuente de inspiración de esta artista que muestra una instalación que consta de dos vagones de aluminio cargando unas palmeras iluminadas titulada Twin Palm Island (2012) evocando las palmeras de la ciudad de Tánger y la decoración que caracteriza la cinemateca de la ciudad, de la cual es socia fundadora. Barrada y un grupo de artistas tomaron las instalaciones para presentar cine de avant-garde. Marruecos es un sitio que se usó como sede para muchas películas, como Casablanca. Su obra habla en ciertos aspectos del desarrollo urbano, y la experiencia del cruce de culturas que allí se produce por su situación geográfica. A Modest Proposal (2012) es otra de sus obras que consta de 30 impresiones cromógenicas, así como los videos titulados Beau geste (2009) y Hand-Me-Downs (2011).

Zarina Bhimji nacida en Mbarara y residente en Londres participa con otro video, Yellow Patch (2011) inspirado en una conferencia de Doris Lessing donde utiliza mucho la luz y con Jangbar (2015), un trabajo recién terminado y filmado en Kenia. Según explica la artista, “el trabajo era más concreto al comienzo pero se fue tornando más abstracto y tiene que ver con observación, espacio y momentos de luz”… “Fue filmada en 35 mm, y cuando empecé a editarla no sabía exactamente cuál sería el comienzo y cuál el final, y aunque soy una persona muy organizada y normalmente tengo un libreto, esta vez no sabía exactamente que resultaría. Empecé a editar sin sonido y después lo fui añadiendo, haciendo grabaciones”.

Esta muestra constituye un ejemplo más de lo importante que resulta la visión curatorial de una muestra, y como lo expresa uno de los artistas, Tony Capellán, “pienso que los curadores hicieron un gran trabajo asociando estas obras, porque eso es lo que buscamos los artistas, que nos podamos relacionar con otros artistas que están trabajando la misma temática”.