Símbolo y fantasía. El arte de Leonel Matheu

The Patricia & Phillip Frost Art Museum presenta del 12 de julio al 14 de septiembre del 2014 la exposición Crossroads of the Dystopia (Encrucijada de la distopia) de Matheu (n. 1967) y Letra Urbana conversó con el artista cubano.  Figura prominente en la escena artística nacional e internacional, su obra forma parte de las colecciones de importantes museos de arte, incluyendo el propio Frost Art Museum, el MOCA (Museum of Contemporary Art in North Miami), el Lowe Art Museum de la Universidad de Miami en Coral Gables, el Bass Museum of Art en Miami Beach y el Mobile Museum of Art en Alabama, entre otros.

La muestra incluye más de 70 obras del artista, realizadas en diversas técnicas, representativas del trabajo realizado por el artista durante más de 20 años.  Caracterizada por un lenguaje gráfico de corte universal, su obra es una crítica de la realidad actual y una invitación no solo al análisis, sino también a la participación activa del espectador.

Respecto a la obra de Matheu, la doctora Carol Damian, opina: “Uno no puede evitar sentirse intrigado por el maravilloso sentido del humor y la personalidad juguetona de Leonel Matheu que se refleja en todo lo que hace . Esto no quiere decir que su trabajo es todo diversión -siempre ha habido un mensaje intelectual detrás de los personajes caricaturescos y sus travesuras, especialmente en las actuaciones de esa cabeza de cúpula, su icónico alter-ego. Tal vez enmascaran el sentido de distopía presente en su nativa Cuba, una situación de  desesperanza a veces surrealista para quienes miran desde lejos, al igual que la incapacidad de sus caricaturas de comprometerse más allá de lo superficial. Con cada personaje y cada historia que quiere contar, deja al espectador perplejo por la dicotomía del momento”.[1]

 

Leonel, ante todo te felicito por este gran logro. Háblanos sobre la exposición que presentas actualmente en Miami.

Esta es una exhibición de carácter retrospectivo que incluye obras realizadas entre 1997 y el 2013, en distintas técnicas y con distintos temas. Incluyo instalación, escultura y pintura, con el propósito de dar una visión lo más completa posible de mi trabajo. Trato distintos temas en distintos tiempos.

 ¿Cuáles crees tú que sean las obras más significativas?

¡Todas! Quizás aquellas que presentan ciertas gráficas, propuestas o planteamientos que dan pie a ciertas series. Pedestriart, en particular, es bastante reconocida; algunas pinturas al óleo como La Mentira/The Lie, que pertenece a la colección del Frost y que abre la guía visual. Todas tienen un sentido muy importante. Lo cierto es que no limito mi esfuerzo en ninguna obra. Siempre pongo el mayor esfuerzo.

Tu obra es muy emotiva.

Mi obra transmite alegría. A través de la alegría y de la inocencia difundo un mensaje que puede ser social, cultural, político, de sueño, de anhelo, en realidad es muy ecléctico. Me interesa el aspecto psicológico del ser humano. Quiero llegarle a niños y a personas de 80 años. Utilizo una gráfica variable con el fin de llevar el mensaje a cualquier edad o etnia.

¿Cómo defines el estilo de tu obra?

Mi estilo es neo-figurativo, de alguna forma es una nueva figuración. A la vez, proviene de un mundo contaminado con surrealismo, historia y literatura de corte poético. Algunos símbolos como un globo atado a un cactus pueden parecer incongruentes, pero al mismo tiempo admiten lecturas alternativas que permiten un entendimiento del arte contemporáneo mucho más global.

 

Sin duda este estilo y, en general, tu objetivo como artista, están estrechamente influenciados por las experiencias que han marcado tu vida.

Toqué música a los nueve años y tuve inclinación por las artes plásticas desde muy joven. Comencé como autodidacta pues por mi edad, aun cursaba primaria, no podía ingresar a una escuela de arte. Sin embargo, ya en ese entonces tenía gran sensibilidad por la expresión estética. En mi pueblo empecé a formarme con maestros locales. En las escuelas de grado medio y superior estudié diseño gráfico y tomé materias vinculadas con artes plásticas como balance de color e historia del arte. Entré en el mundo del arte a través del diseño gráfico, ámbito en el que me desempeñé profesionalmente antes de viajar a Estados Unidos. Llegué a Miami con 24 años y fue entonces cuando decidí dedicarme a las artes plásticas. De eso hace casualmente 24 años.

Mencionaste anteriormente el aspecto psicológico de tu obra.

La obra se divide en dos: Mensajero y mensaje. El mensajero está contaminado por asombro, felicidad, agrado de búsqueda del ser humano en un contexto sano, sin ningún tipo de agresión. El mensaje es amoroso, conflictivo, y crea pie para que el espectador logre tener una moraleja. El mensaje es lo que pretendo transmitir a través del color, la forma y el diseño.

 

 

Tu obra está hecha de símbolos y funciona casi como jeroglífico.

Utilizo un grupo de símbolos que me sirven para generar ciertas interpretaciones. Están, por ejemplo, el grillo con el barco de papel que es muy diferente al grillo que acompaña la cabeza humana. Según la conjugación de la gráfica se generan distintas lecturas. Es una poesía libre que reproduce una historia infinita en cada espectador. En ella son protagonistas las aves, el barco de papel, los grillos, los edificios, el muro de ladrillo y la cabeza. Esta última es un personaje híbrido que puede ser Pinocho, una cabeza de papa o la cabeza del “bobo Abela”, que muestra asombro y que siempre está aprendiendo.  Estos y otros personajes alternan con otros objetos como una paleta o una torta de cumpleaños, los cuales utilizo cuando quiero representar un viaje dulce, un tránsito hacia algo con expectativas dulces. Mi obra es muy poética y se beneficia de la libertad del simbolismo. También tiene un elemento fantástico. Represento montañas hechas de torta con un zapato sobre ellas. Al final, la idea es que el observador pueda crear su propia historia. La escultura en madera titulada Fortaleza surgió de esa forma. De una manera oral generé una representación gráfica. ¿Qué significa fortaleza? El balance y el color forman una pieza ecléctica que entrelaza la cuna de un niño con pesas de hacer ejercicio. Al inicio es blanca y luego negra lo cual simboliza el inicio y el final de la luz.

Tu obra es muy dinámica. Funciona muy bien en cualquier contexto, sea una comisión de arte público o un proyecto editorial.

El Hospital Jackson South Community de Miami tiene una obra pública comisionada por Miami-Dade Art In Public Places titulada Vitalidad, en la cual creé la decoración del interior del hospital y la señalización. Este proyecto tuvo como objetivo principal crear vitalidad y facilitar la ubicación del paciente y del visitante mediante un ambiente de fácil convivencia visual y proporcionando, a través de figuras y colores, una energía de saneamiento. El hospital cuenta con obra gráfica en serigrafía, murales, pisos y el sistema de señalización diseñado especialmente para este proyecto. Actualmente estoy trabajando en una pieza, comisionada también por Miami-Dade Art in Public Places, que consiste en el toldo del anfiteatro del Zoológico de Miami, y en la ilustración de un libro para la organización WIZO titulado Mi vida a través de los ojos de mi madre.

¿Cuándo presentaras tu próxima exposición?

La próxima exposición individual está programada para el 2015, en el Hangaram Museum de Seúl, Korea.