Espacios Ocultos, Entrevista a José Manuel Ballester

El artista José Manuel Ballester, galardonado con el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España (2010) entre otros, presenta en el Phillip and Patricia Frost Art Museum de Florida International University, Espacios Ocultos, una exposición que reúne veinticuatro trabajos inspirados en las obras de los maestros de la historia del arte occidental, entre ellos Botticelli, Fra Angélico, Géricault, Goya, Leonardo Da Vinci, Velázquez y Vermeer.

A través de la manipulación digital, Ballester borra los seres vivos de las telas originales y recrea diferentes escenarios en los que la naturaleza y la arquitectura se convierten en los temas principales. La espiritualidad de los paisajes y la monumentalidad de las obras reproducidas sobre lienzo o papel al tamaño de la obra original invitan a la contemplación y a la reflexión. En conversación con Francine Birbragher, curadora de la muestra, el artista profundiza sobre este importante aspecto de su producción artística.

¿Cómo surge la idea de Espacios Ocultos?

Uno de los principales motores del proyecto fue la búsqueda de una puerta para dialogar con los clásicos desde una óptica contemporánea. A través de la intervención de obras originales encontré una manera de hacerlo. No es la primera vez que esto se hace. Por ejemplo, Dalí, le puso un bigote a la Mona Lisa. En realidad, ha habido interacciones de este tipo a lo largo de la historia, solo que la provocación no era tan evidente como en la obra de Dalí. Toda intervención era una agresión, un acto de revaloración de lo que representan los grandes íconos de la historia del arte occidental. En mi caso, realizo una intervención distinta, más respetuosa. Al eliminar los aspectos narrativos de las obras seleccionadas entran en escena una serie de espacios secundarios, al convertirse los fondos en protagonistas. En cada una de las obras el fondo adquiere una autonomía. El acto es el mismo pero el resultado varía de acuerdo a la obra. Cada una de ellas tiene su propia transformación y genera un número ilimitado de interpretaciones al presentar al público únicamente el escenario.

Conceptualmente, la idea es que cada obra inspire múltiples interpretaciones. Desde tu propia perspectiva, ¿cuáles serían algunas de ellas?

En la obra Paisaje Invernal 2 (2010) inspirada en el cuadro de Bruegel, Paisaje invernal con patinadores (1565), la escena cotidiana de una aldea en invierno adquiere un valor dramático al eliminar los patinadores. El paisaje transmite desolación.

En el cuadro inspirado por El nacimiento de Venus (1485) de Boticelli, Sitio para un nacimiento (2012), al desaparecer la figura femenina solo queda la concha. En la obra de Boticelli, desde una lectura religiosa, la concha representa a Santiago Apóstol y está ligada al nacimiento mitológico de Venus. Al eliminar la figura queda roto el vínculo con lo alegórico, a no ser que el espectador tenga conocimiento del cuadro original. En este caso juega un papel importante la memoria colectiva.

Este es un aspecto importante de la percepción del arte. Si no tenemos esos códigos, el significado de la obra es distinto. Lo importante de este trabajo es jugar con lo relativo. El arte se apoya en normas para que el acto de comunicación se produzca. Cada período artístico tiene sus propios códigos. La Balsa de la Medusa (2010), por ejemplo, está inspirada en la obra de Géricault del mismo nombre (1818-1819), una pintura romántica que ilustra la supervivencia de un grupo de náufragos a la deriva. Al eliminar los seres humanos la obra se convierte en una alegoría de cómo se ve hoy en día el mundo y permite ver la imagen en el contexto actual.

En la obra inspirada en La alegoría de la pintura, El artista en su estudio, (1666) de Vermeer, el espectador percibe el sabor del instante. La modelo y el artista desaparecen quedando únicamente el estudio. La luz se convierte entonces en protagonista.

3 de Mayo (2008), inspirada en la obra de Goya del mismo nombre (1814) sugiere una reflexión sobre los desastres de la guerra. Hoy en día las guerras se catalogan en distintos órdenes pero las consecuencias son las mismas y las sufren ambos bandos. En la obra de Goya la interpretación es muy interesante. El arte no cambia la realidad, pero si la forma de entenderla. Después de Goya y del Guernica de Picasso no debería haber más guerras. Sin embargo, existen hoy muchos lugares donde hay conflictos bélicos, enfrentamientos y violencia. Lo que queda de ellos en una sangre no identificada. En ambos bandos se vive el drama de la muerte. La obra pictórica invita a la reflexión. ¿Para qué sirven las guerras? Lo ideal sería resolver el conflicto sin destrucción. En la guerra, al margen de que haya vencedores y vencidos, al final lo que quedan son víctimas y daños colaterales irremediables. El reto de la evolución humana es que seamos capaces de resolver diferencias sin las armas. En muchos casos el conflicto surge por el miedo a desaparecer, por sentirse frágil, por la necesidad de supervivencia de la especie, de la cultura de la sociedad…

Interesante tu comentario si consideramos que precisamente la “desaparición” es tema central en Espacios Ocultos.

Es una osadía coger los clásicos e intervenirlos. Hay algo de valor artístico pero tengo que justificarlo. Al principio te tiembla el pulso pero luego vas encontrando motivos y ves que no es tan grave. Volviendo al tema de la guerra y al cuadro de Goya, hay un factor y es la guerra por mantener ciertos valores. El que no los acepta se convierte en agresor y la primera reacción es combatirlo. Si tienes temor es que consideras débiles tus valores. Es un miedo justificado tomando en cuenta que muchas civilizaciones han desaparecido.

Un aspecto importante en este experimento es el misticismo.

Lo místico es una faceta muy importante en la condición humana. En las obras trabajo la parte material, el aspecto físico, pero también la parte mística, espiritual. Es una necesidad de cada cultura que responde a la voluntad de trascender. El hombre intenta trasladarse más allá de la muerte, de sobrevivir. En el contexto cristiano por la necesidad de la materialidad y la espiritualidad, representadas en varias de las obras de la muestra. En el misterio de la anunciación (tema de tres de las obras presentadas en Espacios Ocultos) aparecen las dos vertientes, lo racional y lo irracional, y reflejan el retrato del ser humano. La religión ha tenido un gran protagonismo. Pensamos en la frustración de la muerte, imaginamos la otra vida y jugamos a trascender la muerte.

¿Consideras que de alguna manera el artista lo logra a través de la obra?

De alguna manera. La trascendencia es relativa. ¿Que son cientos de años en el contexto de la historia del universo? El arte es un instrumento que permite lanzar un mensaje en el tiempo y superar los límites de tu existencia. Es un instrumento que ha sido útil pero transmite un mensaje de corto alcance. Desde que el hombre marcó la palma de su mano en las cavernas ha dejado huella. El arte se percibe desde entonces como algo necesario, cuando deje de serlo dejará de existir en el aspecto espiritual del ser humano.

Espacios Ocultos: Una exposición en la que la obra de José Manuel Ballester dialoga con Botticelli, Fra Angélico, Géricault, Goya, entre otros, desde una óptica contemporánea.